Sob os holofotes de Nova York, o Met Gala 2026 reafirmou sua vocação de transformar moda em manifesto estético.
Com o tema “Moda é Arte”, o tradicional jantar beneficente do Metropolitan Museum of Art elevou o dress code a uma curadoria viva, guiada pela exposição em cartaz.
Na noite de segunda-feira (4/5), celebridades e criadores desfilaram mais do que roupas: apresentaram composições que dialogavam com a escultura, a pintura e a experimentação conceitual.
Tecidos ganharam dimensão de obra, silhuetas romperam a lógica do vestir e o corpo tornou-se suporte para narrativas visuais.
Entre referências explícitas e releituras ousadas, o evento consolidou a moda como linguagem artística — capaz de ocupar não apenas o guarda-roupa, mas também o imaginário cultural contemporâneo.
A moda nunca foi apenas ornamento; ela é, como já se afirmou, uma gramática silenciosa do existir.
Antes de ser indústria, foi rito; antes de ser tendência, foi linguagem. O corpo humano, ao longo da história, tornou-se suporte simbólico de pertencimento, poder, identidade e ruptura. Vestir-se é, em essência, interpretar-se — e também ser interpretado.
O estilista Yves Saint Laurent costumava afirmar que “a moda passa, o estilo é eterno”, insinuando que, por trás da efemeridade das tendências, reside uma busca mais profunda por permanência e sentido.
Coco Chanel, por sua vez, sugeria que “a moda não existe apenas nas roupas, mas no ar”, indicando que ela absorve o espírito do tempo, aquilo que o filósofo alemão Hegel chamaria de Zeitgeist. Nesse movimento, a moda deixa de ser superficial para se tornar sintoma: ela revela tensões, desejos e contradições de cada época.
Sob o olhar antropológico, Claude Lévi-Strauss argumentava que os sistemas simbólicos — entre eles o vestuário — organizam a forma como o ser humano compreende o mundo e a si mesmo.
Vestir-se, portanto, não é um ato isolado, mas um gesto cultural codificado, que comunica hierarquias, crenças e papéis sociais. Em muitas sociedades tradicionais, o traje não é escolha individual, mas expressão coletiva — um elo entre o indivíduo e a memória de seu grupo.
Já na contemporaneidade líquida descrita por Zygmunt Bauman, a moda assume contornos ainda mais instáveis. Ela acelera, fragmenta-se, dissolve identidades com a mesma rapidez com que as constrói.
O que antes era permanência torna-se fluxo; o que era tradição converte-se em experimentação constante. Nesse cenário, o vestir oscila entre liberdade e angústia: a liberdade de reinventar-se e a angústia de nunca se fixar.
Do ponto de vista da comunicação, Marshall McLuhan ajuda a compreender esse fenômeno ao sugerir que “o meio é a mensagem”.
A roupa, nesse sentido, não apenas transmite conteúdo — ela é o próprio conteúdo. Ela molda percepções, antecipa julgamentos e constrói narrativas antes mesmo da palavra.
Roland Barthes, em sua análise semiótica da moda, reforça essa ideia ao tratar o vestuário como um sistema de signos, onde cada detalhe — tecido, corte, cor — compõe um discurso.
Artistas e criadores contemporâneos ampliam ainda mais esse campo.
Alexander McQueen transformava desfiles em performances quase teatrais, afirmando que “a moda deve ser uma forma de escapar, não de aprisionar”.
Já Rei Kawakubo, com suas formas desconstruídas, questiona a própria noção de corpo e estética, propondo uma moda que não busca agradar, mas provocar.
Assim, ao longo da existência humana, a moda se revela como um espelho inquieto: reflete o que somos, mas também distorce, reinventa e projeta o que desejamos ser.
Ela é, simultaneamente, máscara e revelação — um território onde o indivíduo negocia sua identidade com o mundo.
No fim, talvez vestir-se seja uma das formas mais cotidianas — e mais profundas — de dizer: “eu existo”, ainda que em permanente transformação.
